As Máquinas Anatómicas Raimondo di Sangro. Javier Sierra. «… las obras de arte y ‘máquinas anatómicas’ que contiene, muy pocas han sido las publicaciones por parte de médicos sobre los dos esqueletos, aunque siempre han estimado posible que se trata más del producto de un experimento que una reconstrucción anatómica»

Cortesia de wikipedia

«Quien visite los subterráneos de la bella capilla renacentista napolitana de Sansevero, antiguamente conocida como Piatella, encontrará expuestos dos esqueletos humanos con todo su sistema sanguíneo misteriosamente conservado. Se cree que el 22 de Marzo de 1771 falleció en Nápoles uno de los hombres más extraordinarios y controvertidos de la historia de esa cosmopolita ciudad italiana: el príncipe Raimondo di Sangro. Odiado y amado con igual vehemencia por sus contemporáneos, Raimondo destacó en las múltiples actividades técnico-científicas que desarrolló, y que fueron desde la impresión y divulgación, herética e ilegal para la época, de textos masónicos, al desarrollo de numerosos inventos técnicos como fusiles de rápido disparo, barcos anfibios capaces de desplazarse sobre suelo firme e incluso revolucionaria una imprenta capaz de grabar varios colores a la vez. Sin embargo este ilustrado príncipe napolitano se entregaba también con cierta frecuencia a la, sin duda, absorbente tarea de la Alquimia. Por sus laboratórios, hoy desmantelados por completo, pasaron proyectos como los de tratar de resucitar de sus cenizas cuerpos de animales y, a juzgar por algunos relatos como los de su amigo y biógrafo Giangiuseppe Origlia, también de seres humanos. En sus matraces dio con una fórmula capaz de ablandar el mármol y hasta sintetizó los colores con los que diversos artistas decorarían la Capilla de Sansevero o Templo de la Piedad. Gracias a esa imagen de científico heterodoxo son muchos los historiadores que acusan a Raimondo de haber sido el responsable de la elaboración de las dos máquinas anatómicas que fueron halladas en los sótanos de la mismísima Capilla de Sansevero (antigua propiedad de la familia Di Sangro) a finales del pasado siglo. Las máquinas en cuestión no son sino dos esqueletos humanos, pertenecientes a un hombre y una mujer, y que tienen la peculiaridad de conservar prácticamente intacto todo su sistema circulatorio así como algunas de sus vísceras blandas. Y si bien no se conoce con propiedad el método presuntamente utilizado por Di Sangro para la consecución de las dos macabras máquinas anatómicas (en buena medida debido a que los actuales propietarios de la Capilla obstaculizan cualquier análisis científico de los restos), se cree que se utilizó una solución de mercurio que petrificó las venas.

Muchos son los puntos oscuros que pesan sobre estos dos cuerpos. El primero de ellos, tal y como documentadamente expone Lina Sansone Vagni en su obra Raimondo di Sangro: principe di San Severo (1992) se refiere, sin ir más lejos, a si en realidad fue Raimondo el autor de ese experimento petrificador o no, y en todo caso si éste se practicó sobre una pareja humana viva o muerta. Para Sansone la respuesta a la primera incógnita es negativa, ya que atribuye toda la leyenda negra creada en torno a las dos máquinas como un intento por desprestigiar al polémico príncipe napolitano y acusarle de asesinato sin posibilidad de Máquinas Anatómicas defensa por su parte. Y la acusación, ciertamente, no sería vana ya que desde una óptica estrictamente médica, resulta indispensable que el corazón de estos dos cuerpos bombease en vida el presunto líquido metalizante que se les inyectó, para que sus efectos se dejaran notar en todo su organismo de manera tan uniforme. Otra hipótesis entiende que una vía alternativa de lograr ese efecto sería un envenenamiento progresivo de las víctimas, hasta lograr su paralización y su muerte y tan sólo la ausencia de estómago en ambos cadáveres parece confirmar que el petrificador quiso borrar toda huella de su crimen.

Pero entonces, quiénes son los dos desdichados que encontraron la muerte de tan cruel manera? Como sucede con la mayoría de los detalles que rodean esta historia, tampoco existe una única respuesta a esta cuestión. Para muchos, especialmente para el gran público, ambos fueron dos sirvientes del príncipe que colaboraban ocasionalmente con él en sus trabajos alquímicos, aunque no faltan los que aseguran que la figura masculina petrificada corresponde…al propio príncipe Raimondo!.

Fascinantes teorías para un príncipe

Entre quienes defienden esta última posibilidad se encuentra la señora Sansone, quien no hace mucho tiempo nos manifestaba abiertamente en una carta personal que, probablemente, el príncipe fue envenenado por sus enemigos (masones o sacerdotes, que de Capilla de Sansevero todo había) y su cuerpo embalsamado de esta esperpéntica forma cumpliendo así una venganza que, desde luego, trascendería a su propia muerte. Para Sansone, tal hipótesis viene avalada por la idea de que el cuerpo petrificado del hombre se encuentra muy deteriorado, fruto de las continuas vejaciones a las que fue sometido tras su muerte por sus propios verdugos, y los descendientes directos de éstos. La verdade, dice Sansone sin contemplaciones, es que han cogido sangre para hacer misas negras en los subterráneos del Templo de la Piedad. De creer la fascinante hipótesis propuesta por esta investigadora, probablemente deberíamos buscar el origen de su mala fama en la enemistad que se granjeó con el poderoso cardenal napolitano Giuseppe Spinelli tras asociarse al iluminado y esoterista Antonio Genovesi, y a los poderosos enemigos que obtuvo entre las filas de la logia masónica de los Vengadores de Hiram, en la que participó activamente a mediados del siglo XVIII, y de la que al parecer consiguió abundante documentación secreta de difícil acceso en aquella época.

Sea como fuere la familia D’Aquino, actual propietaria de la Capilla de Sansevero, se guardan mucho de mantener viva la atmósfera misteriosa que se respira alrededor de la vida del príncipe, obstaculizando cualquier investigación en profundidad sobre las máquinas anatómicas o sobre la Cristo yacente (Sansevero) composición del mármol sintético o ablandado que logró obtener Di Sangro en su laboratorio alquímico. Como bien nos reconocía Francesco D’Aquino, abogado y uno de los máximos responsables de la Capilla y de las obras de arte y máquinas anatómicas que contiene, muy pocas han sido las publicaciones por parte de médicos sobre los dos esqueletos, aunque siempre han estimado posible que se trata más del producto de un experimento que una reconstrucción anatómica. En aquel tiempo, continúa, cuando se descubrieron las máquinas, los estudios de anatomía recién empezaban con criterio científico y por ello no parece probable que alguien conociera en aquel entonces todo el sistema circulatorio con tal precisión. Ni qué decir tiene que la última palabra sobre los métodos utilizados para la obtención de las dos máquinas anatómicas actualmente expuestas (más una tercera, correspondiente a un recién nacido y que desapareció a principios de siglo), y sobre todo, acerca de la identidad de los desafortunados petrificados aún no ha sido dicha». In Javier Sierra, Universo, As Máquinas Anatómicas de Raimondo di Sangro, Wikipédia.

Cortesia de Wikipédia/JDACT

Exposição plástica “Dog Life”. Portalegre. Barbara Walraven. «Partindo da sua relação com a natureza e com os amimais, a artista apresenta-nos, de forma irónica, uma reflexão sobre a irracionalidade da condição humana»

Cortesia de cmportalegre e wikipedia

«A Galeria de S. Sebastião em Portalegre, recebe até ao pf dia 10 de Março a instalação Dog Life que inclui um conjunto de esculturas e pinturas da autoria da artista plástica Barbara Walraven. Esta instalação apresenta um grupo de vinte e quatro personagens caninos reais, cujas representações individuais são complementadas com os retratos a aguarela e acrílico de cada um deles, contando a história das suas vivências individuais.

Ficamos a conhecer a vida de Boris, Luca, Grace, Rosa, Rita, Blacky; Billy entre muitos outros que inspiraram Barbara Walraven neste belo e desconcertante trabalho que atribui qualidades e defeitos de pessoas aos cães e mostra pessoas com vida de cão.

Barbara Walraven, utiliza formas modeladas com vidro trabalhado por processos que vão desde o vidro soprado ao full fusing e ao casting e combina-os com diversos tipos de tecidos. Partindo da sua relação com a natureza e com os animais, a artista apresenta-nos, de forma irónica, uma reflexão sobre a irracionalidade da condição humana. Segundo Barbara Walraven DOG LIFE retrata:

• Pessoas com cabeças de cães e cães vestidos de pessoas. Dou a vida das pessoas aos cães e a dos cães às pessoas. Quem visitar a minha exposição terá que olhar, pensar e reflectir sobre as atitudes e sobre a sua própria vida. Por vezes temos atitudes que são próprias dos animais e por sua vez os animais parecem pessoas e só lhes falta falar!

Esta é uma exposição com sentido de humor e com uma grande componente irónica, muito diferente dos seus trabalhos habituais e que não vai deixar ninguém indiferente». In Alentejo, CM de Portalegre, portal.pt

Cortesia de Alentejo/JDACT

FCG. Biblioteca de Arte. Nandipha Mntambo. Johannesburg, Stevenson, 2011. Ana Barata. «… um meio para subverter as expectáveis associações entre presença corporal, feminilidade, sexualidade e vulnerabilidade. Usa como molde/modelo o seu próprio corpo e o de sua mãe»

jdact e cortesia de fcg e wikipedia

«Quase duas décadas passadas sobre o fim do regime do apartheid e o advento da democracia na África do Sul, a cena artística daquele país é actualmente uma das mais vibrantes do continente africano. O que não é de estranhar, sabendo-se que a África do Sul é o país que possui as melhores e mais bem estruturadas instituições nas áreas ligadas à produção e à criação artísticas, existindo em muitas das grandes cidades escolas, museus, centros de arte e galerias, com mais ou menos relevância. Depois da Bienal de Joanesburgo, que teve apenas duas edições, em 1995 e 1997, a Joburg Art Fair, feira de arte contemporânea que se realiza na mesma cidade desde 2008, e algumas importantes galerias, como a histórica Michael Stevenson, com dois espaços expositivos, na Cidade do Cabo e em Joanesburgo, têm tido um papel decisivo na promoção e divulgação dos artistas sul-africanos, não só a nível nacional como também internacionalmente, assim como têm igualmente conseguido fomentar internamente uma prática coleccionista, existem já algumas importantes colecções, como a Colecção Enthoven, dedicada a artistas nacionais. Ao longo destes anos pós-apartheid, os artistas sul-africanos têm reflectido de formas diversas e em diversos suportes, pintura, escultura, vídeo, performance, fotografia, instalação sobre aspectos relacionados não só com as mutações a acontecer no país e no continente africano, num contexto de globalização, mas também aspectos em que a sua redefinição identitária enquanto povoação em busca de novas formas de relacionamento é questionada. Alguns deles, como Marlene Dumas (n.1953) e Robin Rhode (n.1976), por exemplo, vivem e trabalham no estrangeiro; outros, como David Goldblat (n.1930), William Kentridge (n.1955), Nicolas Hlobo (n. 1975) e Mary Sibande (n.1982), vivem e realizam os seus trabalhos artísticos na África do Sul.

Durante o verão de 2011, à semelhança do que vem acontecendo desde 2009, os visitantes do jardim Gulbenkian foram surpreendidos por um conjunto de instalações e esculturas aí realizadas por vários artistas portugueses e estrangeiros, convidados no âmbito do Programa Próximo Futuro. No verão passado, uma das artistas convidadas foi Nandipha Mntambo, nascida na Suazilândia em 1982 e a viver e trabalhar na Cidade do Cabo, que criou para o jardim uma envolvente construção em bambu, espécie de abrigo que denominou de Cocoon, “Casulo”.

Nandipha Mntambo é uma das jovens artistas que emergiu na cena artística sul-africana nos últimos anos, fez a sua primeira exposição a solo, em 2007, na Galeria Michael Stevenson, na Cidade do Cabo, cujo trabalho se tem construído a partir da utilização do corpo e de histórias pessoais, utilizando como material privilegiado a pele de vaca. A escolha deste material para as suas esculturas, em que usa como molde/modelo o seu próprio corpo e o de sua mãe, é descrito por Mntambo como:

• “um meio para subverter as expectáveis associações entre presença corporal, feminilidade, sexualidade e vulnerabilidade”.

O resultado são peças poderosas e perturbadoras, de formas por vezes ambíguas e mais abstractas, mas sempre com uma grande carga poética. Em 2011, Nandipha Mntambo ganhou o prémio que o Standard Bank anualmente atribui a jovens artistas da África do Sul e foi realizada uma exposição antológica da sua obra na Galeria Michael Stevenson, na Cidade do Cabo.

A edição especial do catálogo, de apenas 10 exemplares assinados, que a Biblioteca de Arte possui no seu acervo documental tem na capa de tecido vermelho uma intervenção da artista com pelos de vaca». In Ana Barata, FCG, Nandipha Mntambo, Standard Bank Young, Cape Town; Johannesburg, Stevenson, 2011, Livro de artista, Exemplar nº 7 de uma edição de 10, assinado e numerado pela artista; ex. encadernado a tecido de linho vermelho, com uma colagem de pelos de vaca na capa, acondicionado numa caixa forrada a tecido bege, ISBN 978-0-620-50664-9, Newsletter, Novembro / Dezembro de 2012.

Cortesia de FCG/JDACT

Michelangelo ou Miguel Ângelo Buonarroti: Um pintor, escultor, poeta e arquitecto italiano, considerado um dos maiores criadores da história da arte do ocidente. «Meus olhos, buscando coisas belas, e minha alma, buscando a salvação não têm outro poder de ascender ao céu senão contemplando tudo que é belo»

(1475-1564)

Caprese, Itália

Cortesia de wikipedia

JDACT

Constantin Brancusi: Célebre escultor romeno e um dos principais nomes da vanguarda do modernismo. Destacam-se as esculturas «A Musa Adormecida, O Recém-Nascido e o Pássaro no Espaço»

(1876-1957)

Hobita/Pestiani, Roménia

Cortesia de esculturasmodernas

Constantin Brancusi, o mais célebre escultor romeno e um dos principais nomes da vanguarda do modernismo.

Foi aprendiz de carpinteiro, tendo estudado escultura em Bucareste. Posteriormente, viaja para Paris, onde fixa residência desde 1904 até à sua morte em 1957. A sua obra de juventude, embora influenciada pela de Rodin, denota um interesse pelas formas simples, contra uma modelação virtuosista e naturalista que caracterizava a escultura dessa época. A sua ruptura com a tradição clássica é estimulada pela descoberta da escultura primitiva (africana e oriental), onde reconhece qualidades de simplicidade e coerência formais e um vigoroso valor plástico.

A obra marcante deste período (1907-1909) é o «Beijo», datado de 1909. Tendo funções de monumento funerário, a escultura assume-se como um monólito vertical, simétrico, estático e intemporal, opondo-se conceptual e formalmente à escultura homónima de Rodin. Reconhece-se aqui uma importante valorização da materialidade e do carácter simbólico da arte.

Cortesia de jeffersonbessa

Desde a segunda década do século envereda por um caminho tendente à abstracção, utilizando materiais como o mármore polido ou o metal fundido, paralelamente à madeira e aos materiais pétreos que caracterizaram as anteriores produções. Nesta fase é possível distinguir um grupo de esculturas que representam variações sobre formas humanas e animais (normalmente de aves) que exprimem a essência profunda da sua realidade física. Destacam-se as esculturas «A Musa Adormecida», de 1927, «O Recém-Nascido», e o conhecido «Pássaro no Espaço», de 1925, no qual Brancusi tenta materializar, num gesto muito simples, o movimento do voo.

Outro aspecto do seu essencialismo é o encontro entre as formas e a referência sexual, como o revela a obra «Adão e Eva», de 1921. Embora mantendo referências figurativas, expressas nos títulos destas obras, a concentração em formas básicas, de simplicidade absoluta, aproxima-o da abstracção.

Cortesia de arquitetandonanet

Um dos momentos mais significativos da sua obra artística é o conjunto de esculturas que instala em Targu Jiu, na Roménia: a Porta do Beijo, a Coluna Sem Fim e a Tábua do Silêncio. In Infopédia. Porto Editora, 2003-2011.

 http://www.infopedia.pt/$constantin-brancusi.

Cortesia de Infopédia/JDACT

Donatello: O grande escultor quatrocentista. Cultiva a escultura com diversos materiais (bronze, madeira, mármore) e o relevo. As suas características mais evidentes são o movimento, o naturalismo e a graça. A obra-prima da sua juventude são os três profetas da Catedral de Florença, em que aproveita a força expressiva do feio

(1386-1466)

Florença

Cortesia de wikipédia

Donato di Niccoló di Betto Bardi, chamado Donatello foi um escultor italiano. Trabalhou em Florença, Prato, Siena e Pádua, recorrendo a várias técnicas (tuttotondo, baixo-relevo, stiacciato), e materiais (mármore, bronze, madeira). Separou-se definitivamente do gótico retomando e superando a arte grega e romana, seja formalmente, seja estilisticamente. Muito notada foi a sua capacidade de sugerir humanidade e introspecção nas suas obras.

Irrequieto e com uma família modesta, seu pai tinha uma vida tumultuada, tendo participado na revolta dos Ciompi em 1378. Segundo Vasari, Donatello foi educado primeiro na casa de Roberto Martelli, e de 1402 a 1404 esteve em Roma com Brunelleschi estudando os clássicos. Em 1408, trabalhou na obra do Duomo de Florença, para o qual executou uma estátua de David em mármore, com uma coroa de amaranto e membros alongados, num estilo gótico tardio, mas apoiada numa perna só ao qual corresponde uma torção do busto, e as mãos realistas, mostrando um estudo apurado da anatomia humana. Em 1416, a estátua foi transportada para o Palazzo Vecchio, estando hoje em dia conservada no Bargello.

Nos últimos anos (1453 - 1466), Donatello regressou a Florença onde executou a «Madalena» em madeira, hoje no museu do Duomo, obra que nega a beleza física, privilegiando a expressão, o corpo esquelético, a dor que transparece do rosto, representando os sentimentos mais profundos da alma humana.

Após concluir um «São João Baptista» para o Duomo, teve a sua última encomenda: dois púlpitos de bronze para a igreja de São Lourenço, projectada por ele mas executada com a participação de outros. O «Púlpito da Ressureição», com episódios da vida de Cristo unidos por relevos e o «Púlpito da Paixão». Morreu em Florença.

Principais obras:

• "São Marcos" - Florença;
• "Tabernáculo de São Jorge" - Museu Nacional do Bargello, Florença;
• "Profetas" (Zuccone) - Duomo, Florença;
• "O Banquete de Herodes" - Pia batismal da catedral de Siena;
• "David" - Museu Nacional do Bargello, Florença;
• "Gattamelata" (estátua equestre ) - Pádua;
• "Maria Madalena" - Duomo, Florença;
• "Judite e Holofernes" - Palazzo Vecchio, Florença.

Cortesia de wikipédia/

Canto da Maia: Exposição na Galeria do Palácio Galveias

Tralalho de Canto da Maia, D. Manuel I, Vasco da Gama, Álvares Cabral (1940)

A exposição «Canto da Maia: O Escultor Português do Silêncio» abre hoje, 16 de Abril, na Galeria do Palácio Galveias, em Lisboa, numa iniciativa do Governo Regional dos Açores que pretende homenagear a obra deste escultor natural de S. Miguel.

A mostra inclui 42 obras do escultor, seleccionadas pelo comissário Paulo Henriques, para quem «o silêncio da escultura de Canto de Maia é matéria preciosa da existência, tanto pela construção austera das formas, como pela interiorizada codificação dos signos».

A exposição é acompanhada por um catálogo bilingue (português e francês), que inclui fotografias de todas as peças expostas.

Para o presidente do governo açoriano, Carlos César, esta exposição pretende projectar para fora do arquipélago «a figura e a obra de quem os Açores muito se orgulham».

Ernesto Canto da Maia nasceu em 1890 em S. Miguel, onde também veio a morrer, em 1981.

A sua obra foi reconhecida a nível internacional, consagrando-o como o escultor português dos Açores.

Esta mostra de obras de Canto da Maia estará patente até 30 de maio no Palácio Galveias, seguindo depois para a Bélgica, onde poderá ser vista entre 11 e 27 de Junho na Maison da Grand Place, em Bruxelas.

(1890-1981)

GRAçores/Palácio Galveias/JDACT